Viviana Orduz Samudio
Miércoles 19 de Junio de 2019
Para escribir la letra de este tema, tomé de la canción “Soledad” los siguientes recursos:
1. Estructura:
Estructura interna de las estrofas:
• Cuatro versos por estrofa, con estructura de rima “a, b, a, b”.
• Versos con rimas asonantes y consonantes escritas de manera intercalada.
• Versos de arte mayor.
2. temática y/o discurso:
Dirigirse a la idea principal de la letra de manera progresiva y exponerla al final.
3. Figura retórica:
Uso de la personificación como figura retórica principal.
Antes de escribir esta letra, quise definir la manera en la que iba a utilizar la personificación como figura retórica. Drexler en su tema “Soledad”, personifica a la soledad y la establece como el personaje principal a quien se dirige en toda la canción. Este concepto me pareció interesante y lo tomé para escribir mi tema, pero en vez de utilizar un concepto abstracto como la soledad, que podría catalogarse como una sensación, decidí hacer la personificación de un objeto.
En cuanto a la temática general del tema, consideré que como ejercicio creativo era importante salir de la zona de confort y no empezar a escribir a partir de las ideas que tenía a mi alcance en ese momento. Para esto, pedí a otras personas que me dijesen dos palabras, un objeto y un elemento de la naturaleza. Con esas dos palabras, visualicé una imagen en mi mente y me quedé observándola. A partir de esa imagen, empezaron a surgir sensaciones e historias en mi mente que utilicé para la creación de la letra.
Con respecto a lo estructural, el hecho de haber delimitado una estructura interna de las estrofas funcionó como una buena guía. Pienso que no es necesario hacer esto cada vez que uno escriba la letra de una canción, pero en este caso, como se trataba de experimentar y probar distintos caminos de creación, fue un ejercicio interesante el hecho de haberme propuesto a seguir una estructura definida. Esto facilitó el trabajo de escritura en cuanto a que ya estaban definidas unas pautas, y no es lo mismo partir de la creación “desde ceros” que desde un marco delimitado. Sin embargo, también se trató de un reto, pues tuve que hacer todo un proceso racional y creativo a la hora de organizar las palabras, las frases, buscar sinónimos para lograr las rimas y, en pocas palabras, jugar con el lenguaje para que las ideas encajaran con la estructura.
A manera de reflexión, después de haber realizado este proceso, considero que si todos los parámetros están calculados antes de la creación, se puede volver un proceso muy complicado y frustrante. Por esta razón me “di la libertad” de ir decidiendo en el camino otros aspectos, como la forma macro (de las estrofas) de la letra, el número de secciones, si iba a haber repeticiones o no, etc. A si mismo, pienso que este tipo de parámetros que uno mismo establece a la hora de crear deben servir como una guía y no como una limitante de la creatividad. En este caso, por ejemplo, en una de las secciones decidí dejar dos rimas consonantes seguidas, en vez de buscar cambiar alguna de las dos por una rima asonante, para seguir con el patrón que me había propuesto antes de escribir la letra. Me gustaba como había quedado esa estrofa, con esas rimas, y en ese momento consideré que eran las palabras ideales para expresar lo que quería. En ese sentido, pienso que debe primar el hecho de tomar la decisión que uno sienta más adecuada para su creación que seguir unas pautas que solo fueron establecidas como un boceto, no como una estructura absoluta.
Recursos musicales (tomados del análisis del disco Esperanza de Esperanza Spalding):
• Armonía con colores.
• Recursos armónicos como préstamos modales, dominantes secundarias, acordes disminuidos dominantes.
• Forma larga, con varias secciones que se repiten a lo largo del tema.
• Tomar la introducción y usarla como puente entre otras secciones, en algunos casos con variaciones en la melodía y en la métrica.
• Desarrollo de la melodía por medio de motivos.
• Uso de Vamps.
• Modulación métrica (concepto tomado del tema “I adore you”).
• Secciones compuestas con la intención de usar voces armonizadas (una vez se realice el arreglo) que funcionarán como un “background”, sobre el cual la voz principal podrá improvisar o cantar la melodía principal. (concepto tomado de los temas “Precious” y “I adore you”)
• Variación de una sección en la melodía, el número de compases y la armonía (en este caso, de la sección A, de la cual se derivan la A’ y la A’’). (Este recurso fue tomado específicamente del tema “I adore you”).
• Improvisación sobre una sección del tema (en vez de toda la forma).
• Melodía principal rítmica, haciendo énfasis en la subdivisión (concepto tomado de “I adore you”).
• Groove rítmico, de tempo medio-lento, en métrica binaria, al estilo de géneros como el soul y el R&B (Concepto tomado del tema “Precious”).
Como el primer tema que compuse fue una balada, decidí que el siguiente debía tener un feel distinto, mucho más rítmico. Tomé como referente para el “groove” el tema “Precious”, pues no deja de ser un tempo medio/lento, lo cual le da espacio a la letra para llevar un fraseo cómodo, y aún así tiene un carácter rítmico, con influencia de sonoridades de estilos como el neo-soul, el hip-hop, y el pop. Para lograr el este estilo fue vital componer la melodía de manera que acentuara la subdivisión y que en general jugara con lo rítmico, haciendo uso de síncopas, variando rítmicamente los motivos, etc.
Me propuse también experimentar con alguna métrica irregular. Debido a que el tema iba a tener el tipo de groove que describí anteriormente, las ideas que se me ocurrían estaban pensadas en métricas regulares, como 4/4. Me pareció difícil concebir un tema que musicalmente tuviera ese tipo de groove que buscaba y también manejara una métrica irregular. Por eso me propuse como reto, sin tener seguridad de que tan bien fuera a funcionar, hacer una modulación a una métrica irregular en este tema. Esto también representó un reto a la hora de crear la melodía que llevaría la letra que ya había escrito.
Otro elemento importante que tomé de “Precious” fue incluir secciones que se prestarán para hacer más adelante armonizaciones de voces. Para esto utilicé recursos como motivos rítmicos cortos y repetitivos en la melodía de la voz principal y, por otro lado, notas largas sin letra durante varios compases.
Por último, incluí una sección final que lleva la letra de la estrofa “B” (las demás estrofas eran “A”, como pueden ver en la imagen de la letra escrita a mano) y que, a pesar de haber sido pensada como un coro, funcionó muy bien en la parte final para subir la dinámica del tema. Además, por ser la sección con menos texto, se presta para repetirse varias veces y que ocasionalmente la voz principal haga variaciones e improvise con ella como base.
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